Fernanda Torres, uma melhor.

Fernanda Torres em Ainda estou aqui. Foto divulgação.

A iminência de um Oscar para Fernanda Torres tem causado barulho por aí. A campanha levada em frente pela atriz é parte do negócio – sim, o filme “Ainda Estou aqui”, de Walter Salles, carece de retorno financeiro – e evidencia mais que o habitual trabalho de produtores e artistas na busca da visibilidade e de conquistas para garantir novos investimentos.

Um trabalho insano, se considerarmos as distâncias geográficas percorridas semanalmente pela atriz. A gente nunca sabe onde Fernanda está. Isso implica em horas de cansativos voos, mudanças climáticas absurdas e, como se não bastasse cabelo e maquiagem no eterno tira e põe, há que se manter o astral e o bom humor. Fernanda tem tirado de letra e, tudo indica, angariado afetos por onde passa. Não há como resistir à espontaneidade, ao sorriso franco, à elegância sem ostentação, ao rosto limpo e sem os procedimentos que causam ruídos estéticos em algumas de suas concorrentes do momento.

Antunes Filho, também da categoria “um melhor”, no caso, diretor de teatro, afirmava sobre a absoluta necessidade de conhecimento e inteligência para atores e atrizes. Fernanda Torres (que poderia ser apenas bem articulada, a origem lhe facilitaria o trânsito no meio artístico) confirma a premissa de Antunes e mais: domina a linguagem escrita em textos inteligentes em carreira literária paralela, domina idiomas como o inglês e o italiano e esbanja repertório sobre o que faz e sobre o mundo em que vive. E, para coroar toda essa gama de talentos, é das raras atrizes que transitam com inegável competência entre o drama e a comédia.

O mundo está conhecendo Fernanda Torres. Já deveria ter dado atenção similar quando ela, jovem, foi melhor atriz em Cannes. Naquele momento, 1986, a Rede Globo não liberou a atriz das gravações de Selva de Pedra e ela não esteve no festival em que foi premiada. Certamente a visibilidade obtida com a Palma de Ouro teria sido outra. Pelo sim, pelo não, Fernanda Torres abandonou as novelas. Abdicou do destino de “mocinha” ou “vilã” e seguiu os passos da mãe ao tomar as rédeas da própria carreira, iniciada anos antes no teatro quando registrou êxitos como em Rei Lear.

Logo depois da novela vieram as peças Orlando, The flash and crash days e, entre outras, 5 x comédia (1996), que marca o encontro profissional entre a atriz e Luiz Fernando Guimarães, com quem contracenou em Os Normais. Em 2001 o Brasil conheceu Vani, e Fernanda Torres se tornou definitivamente uma atriz popular. Amada e respeitada pela imensa capacidade de, literalmente, se jogar na personagem. O casal cometia insanidades, extrapolava neuroses, se metia em confusões imensas e o público ria, como riu anos depois, 2011, quando Fernanda se tornou Fátima, formando dupla impagável com Andréa Beltrão.

O filme do Walter Salles que catapultou Fernanda Torres ao estrelato mundial é certamente um marco do cinema nacional e da carreira da atriz. Mas os fãs não se esquecem, entre outras, da Carula, de Marvada Carne, ou da Maria, de O que é isso companheiro. Há uma hierarquia entre essas personagens e Eunice Paiva? Certamente que sim, principalmente sendo Eunice personagem real, de importância histórica ao enfrentar a ditadura militar. Fernanda Torres foi a caipira ingênua, a urbana neurótica, a suburbana desinibida e atirada e por aí caminhou, sempre com um grau de humanidade que leva o público a se identificar, a se apaixonar. Ao se deparar com Eunice, Fernanda não economizou ao mostrar, em minúcias, a grande mulher que Eunice foi. Isso é trabalho de atriz. Melhor atriz. Uma melhor que, em dado momento divide com a mãe, Eunice já doente. Dona Fernanda, uma melhor.

Fernanda Torres em A casa dos Budas Ditosos. Foto Luciana Prezia/divulgação.

Enfim, quis escrever este texto antes do Globo de Ouro, antes do Oscar. Prêmios são bons porque reconhecem publicamente a atuação profissional de artistas. Mas, em qualquer instância, com ou sem prêmios há os melhores. Não comparativamente. Os melhores pelo fato de serem os melhores no que fazem. Tão melhores quanto Fernanda Torres, que já alertou para todo mundo baixar a bola. Um pouco de bom senso e a gente pode se balizar pelo prêmio que não veio para Fernanda Montenegro. Se vier para a filha, melhor, se não vier, ambas estão nesta categoria, são as melhores. A tal Gwyneth Paltrow não está. Cate Blanchett e Meryl Streep estão. O tempo e os filmes garantem quem é melhor.

Quero concluir este registro sobre meu afeto por Fernanda Torres relembrando quando a vi, menina, no final da peça estrelada por Fernanda Montenegro “As Lágrimas amargas de Petro Von Kant”. Enquanto a mãe nos atendia nos camarins, ela se despediu educadamente anunciando que ia para o hotel. Era só uma menina se despedindo da mãe que estava trabalhando. Depois a vi no palco, já dona do ofício, deixando para registrar por último “A casa dos Budas Ditosos”, quando literalmente passei mal de tanto rir. Como não amar quem nos faz rir tanto e tão gostoso quanto Fernanda Torres? Eunice Paiva é um grande personagem por si, mostrado ao mundo por uma melhor atriz. A melhor atriz, Fernanda! Sem sobrenome, pois as duas Fernandas de “Ainda estou aqui” são as melhores.

Notas:

As lágrimas amargas de Petra Von Kant – 1982, Peça de Rainer Werner Fassbinder, direção de Celso Nunes. É desta peça que Fernanda Torres viralizou com um meme: “minha mãe deitada no chão, bêbada, apaixonada pela Renata Sorrah. Pensei: minha mãe é muito louca”.

– 5 x Comédia, (1996), adaptação de Marcus Alvisi e direção de Hamilton Vaz Pereira, Marcus Alvisi, Mauro Rasi, Pedro Cardoso.

– A casa dos Budas Ditosos (2003), baseado no livro de João Ubaldo Ribeiro, direção de Domingos de Oliveira.

– A Marvada Carne (1985), de André Klotzel.

– Em Cannes, o filme foi “Eu sei que vou te amar” (1986), de Arnaldo Jabor.

– O que é isso companheiro (1997), baseado no livro de Fernando Gabeira, dir. de Bruno Barreto.

– Orlando (1989), baseado na biografia de Virginia Woolf dir. Bia Lessa

– Rei Lear (1983), de W. Shakespeare, direção de Celso Nunes.

– The flash and crash days (1991) de Gerald Thomas.

O Oficina é meu!

A ação do Grupo Silvio Santos contra o Teatro Oficina – fechando um dos acessos com uma parede absurda – diz bem do tal grupo e do sujeito que lhe dá nome. Atrás de sorrisos profissionais e de ações para seduzir clientes, esses seres buscam avidamente o poder, perpetuar-se nele através do dinheiro. O cara está com 93 anos, mas tem ganância e herdeiros. E é para esses que ficarão os frutos dessa ação tenebrosa contra um bem cultural brasileiro.

Note-se que a concorrência está silenciosa, muda. A premissa dos grandes grupos de comunicação é a cumplicidade, o corporativismo descarado. As reações ficam por conta de pessoas e grupos de pessoas interessadas no Teatro Oficina, no Bixiga, em defesa do bem coletivo. Aqueles que lutam pelo Parque, com certeza um grande bem para o bairro e adjacências.

Um dos aprendizados mais difíceis, creio, é entender o bem cultural, o bem público como primeiramente propriedade INDIVIDUAL e, concomitante, COLETIVA. O teatro, a biblioteca, a praça, o bosque, o museu, as árvores nas ruas e avenidas, a escola, a universidade, o posto de saúde, o hospital… Tudo isso é primeiramente do indivíduo. MEU, para ser mais claro. E do outro, o tal próximo do amor dito pelo Cristo.

Detalhe do projeto do Parque, uma obra que favorecerá o bairro e toda a cidade.

Sou eu o principal beneficiado por me sentar à sombra de uma árvore de frente para o mar, e também o que aprende quando pega um livro na biblioteca, assiste um filme, vê uma peça. Tudo pertence a todos os seres humanos, iguais em deveres e direitos. Pode-se não utilizar um ou mais entre esses itens, mas é impossível viver sem todos eles.

É bom notar também que todas os bens citados acima são frutos de AÇÕES COLETIVAS, do TRABALHO COLETIVO. Faço questão de exemplificar usando a ESCOLA: Há um espaço que foi destinado para receber pedreiros, serventes, que usando materiais fabricados em olarias, metalúrgicas, marcenarias e mais uma infinidade de produtores dos materiais necessários para colocar um prédio escolar de pé. Na formação de cada profissional – professores, coordenadores, pedagogos, bibliotecários, faxineiros, jardineiros, entra outra imensa relação e, assim, liga-se o mundo no COLETIVO. A tinta que colore o cabelo do cidadão citado acima tem processo similar, fruto de uma imensa cadeia de trabalhadores que, juntos, produzem a coisa.

INDIVIDUAL no prisma dessa reflexão básica é a ideia de propriedade. Aquele que paga, que adquire, que toma posse de algo ignora a longa cadeia de trabalho e construção conjunta para cada produto manipulado pelo ser humano. O craque do futebol não deve esquecer o processo de obtenção do couro e da fabricação da bola e o nadador carece de quem constrói a piscina. O pintor não fabrica telas e tintas, nem cavaletes e o cantor nada sabe da construção de um microfone, uma caixa de som. Tudo é resultado da ação da coletividade. O respeito pelo trabalho humano vem daí.

Desconsiderar e desrespeitar a construção coletiva que leva a fatos como a agressão ao Teatro Oficina. Há anos, no distante e espaçoso palacete onde vive, que o cidadão de bem ignora a Bela Vista enquanto lugar de gente, querendo enfiar goela abaixo dos moradores mais um shopping. Durante um certo tempo o SS investiu no Teatro Imprensa, tendo a filha capitaneando produções infantis. Uma ninharia de resultado financeiro se comparado a um shopping, ou ao banco da família plantado no mesmo quarteirão do Imprensa.

Não basta o canal de tv, o banco e sabe-se lá quanto mais. O sujeito resolveu ganhar um pouco mais e o Teatro Oficina, em meio a terreno do cidadão, foi o entrave. Das longas brigas entre Silvio Santos e José Celso Martinez Corrêa, falecido criador do Oficina, constam registros do quanto é abjeta a postura do dono do SBT, que deixou em vídeo a ameaça de transferir a Cracolândia para as imediações do teatro. Ele tem dinheiro para fazer isso. E Zé Celso tinha a comunidade a seu lado, ou aqueles que têm noção do que seja bem coletivo. O Oficina é de cada cidadão que preza pela cultura, pela história do teatro brasileiro e pela cidade de São Paulo. O Oficina é meu!

O teatro Oficina é um bem coletivo.

Percebi através da obra de Domênico de Masi a importância da ideia de ser o dono do MASP, o proprietário da Avenida Paulista, da Biblioteca Mário de Andrade e por aí vai. Tudo é meu! Tudo é do Próximo. Tudo é nosso! E cito o nosso por último, pois careço da comoção geral ante uma perda, ante um fato desrespeitoso. Um cara não pode murar minha casa, destruir meu teatro! A cilada do “nosso” é deixar para o outro a luta, a briga, a palavra pesada contra esse cidadão que não respeita ninguém. E se não tenho o mesmo poder de briga, vou para a ação individual que é ignorar o SBT, Jamais adquirir qualquer coisa da Jequiti, assim como tudo o mais que se refere à Liderança e Capitalização. Essa ação, pequena, pode ser feita por você, se leu até aqui. Sendo pequena, não basta para resolver a questão. Por isso mesmo vamos ao coletivo, apoiando todas as ações do pessoal do Teatro Oficina Uzyna Uzona.

Bora lutar!

Obs. As duas primeiras imagens são do Instagram do Teatro Oficina. A terceira é do meu arquivo pessoal.

O Zé e o José, nosso Teatro

A morte inesperada e dolorosa de Zé Celso nos entristeceu. O pessoal do Oficina, familiares e amigos trataram de realizar um ritual funerário digno do artista. A primeira coisa que me veio a cabeça foi querer um velório assim! Cheio de música e dança!  A vontade não é inédita, posto que surgiu quando, adolescente, assisti ao filme O Enterro da Cafetina (Alberto Pieralisi, 1971). Um velório festivo para o retorno dessa longa viagem que é a vida.

Zé Celso caminhava sempre pelo bairro Bela Vista e o encontrei mais vezes no supermercado da Rua Pedroso do que no teatro. Sempre gentil e delicado, sorridente e atencioso para com as pessoas. Aparentemente discreto, nos detalhes é que se percebia o dionisíaco diretor e ator do Oficina, de quem comecei a ouvir falar desde aqui, de Uberaba, nas primeiras leituras sobre o teatro brasileiro. Os Pequenos Burgueses, O Rei da Vela! As Bacantes. Aí me mudei para São Paulo, onde o Teatro Oficina é parte do cotidiano da cidade e do pessoal de teatro.

No início dos anos 80, creio que exatamente em 82, o Teatro Oficina promoveu uma mostra com grupos da cidade e do grande São Paulo. Uzyna Uzona! De Santo André participou o Grupo Caroço, com Os Pintores. Texto e direção deste que vos escreve. Foi a única vez que estive profissionalmente no Oficina. Acanhado tabaréu, nunca tive a verve “louca, alucinada e criança” para explodir nos palcos de Zé Celso. Meu destino foi parar no território de outro Zé, o Antunes Filho.

Conheci o trabalho de Antunes Filho no palco ao ver a montagem de Esperando Godot. Logo depois, o diretor criou Macunaíma, um divisor no teatro nacional. Anos depois, 1984, fui trabalhar no CPT – Centro de Pesquisa Teatral, do Sesc, com o diretor a quem, para provocar, um colega chamava de Zezinho. José Alves Antunes Filho. Adaptei-me ao jeito do encenador disciplinado, mergulhado em livros e leitura. Foram tempos de profunda imersão no fazer teatro, quando Antunes me parecia o próprio Téspis na lendária expressão “Eu sou o Teatro!”.

Dois mestres do teatro. Dois nortes. Parecidos e diferentes. Em comum, a paixão pelo palco, este visto de modos absolutamente distintos e, por isso mesmo, enriquecedores. No que a linguagem expressa, e a interpretação me permite, esses dois indivíduos revelam modos de ser ao assumir a forma de ser identificados. Zé Celso Martinez Correa, o Zé Celso, cujo Zé denota irreverência, alegria, e José Alves Antunes Filho, o Antunes Filho denotando um distanciamento em favor do trabalho artístico, o ser exigente, uma de suas características.

Um imenso privilégio tê-los conhecido: O Zé Celso e o Antunes Filho. Dois homens e um teatro, o melhor teatro. Evoé!

Bocage, O Triunfo do Amor: para celebrar Djalma Limongi Batista

Neste dia 4, terça-feira, no Cine Bijou, será a apresentação do filme “Bocage, O Triunfo do Amor” (1998), homenageando o diretor Djalma Limongi Batista, autor também dos longas “Asa Branca – Um sonho brasileiro” (1981) e “Brasa Adormecida” (1986). No teatro, Djalma realizou uma histórica montagem de Calígula, de Albert Camus..

Djalma Limongi faleceu dia 14 de fevereiro, aos 75 anos. Parte do evento do Bijou, a vida e obra do cineasta e professor será lembrada em conversa com Edith Limongi, Ismail Xavier, João Luiz Vieira, Lívio Tragtenberg e Eugênia Melo e Castro.

Vamos aquecer lembranças sobre Bocage, o Triunfo do Amor, com algumas citações do próprio Djalma Limongi, feitas em depoimento a Marcel Nadale. Nada melhor do que o criador narrando sobre a própria obra:  

“Bocage, o Triunfo do Amor é uma viagem ao mesmo tempo física, mas também interior – uma dualidade muito bacana que eu também senti como cineasta, rodando Brasil e Portugal com a câmera e a equipe”.

“Foi quando descobri a verdadeira importância de Manuel Maria Barbosa du Bocage, seu veio poético, sua época, sua personalidade, seu choque com a corte portuguesa”.

“Bocage conta com sotaques de Angola, Moçambique e Cabo Verde, além do português castiço de Coimbra, das entonações do Sul e do Nordeste brasileiro e das participações de outras línguas latinas, como espanhol e francês. E o latim original, entoado por um professor da USP, Marcos Martinho dos Santos, que sabe falá-lo com a cadência correta, segundo as mais recentes pesquisas da linguística”.

“Bocage enfrentou um surto moralista e homofóbico. Quando foi exibido, contudo, fiz questão de dizer que ele decepcionaria quem esperava por um filme gay. Há na película um erotismo frio, que remete a Pasolini. É um culto metafísico do corpo, o que condiz com o poeta Bocage, que vai da pornografia ao sublime”.

“Quando Bocage foi a Gramado, lembro de Nelson Pereira dos Santos me dizendo que não queria perder o filme porque o haviam advertido para não assistir porque era escandaloso. Mestre Nelson ria e duvidava que algo ainda pudesse chocar no cinema, queria saber como”.

“A viagem multiétnica de Bocage, em especial, me fez enxergar um Brasil cuja única identidade é a língua portuguesa – e que, ainda assim, é renegada junto com todo nosso passado. Aspiramos a outras pátrias. Nossa elite é um entreposto de bom grado para as multinacionais. Não há, portanto, reservas de mercado para nossa produção cultural. Não há sequer um senso de dar prosseguimento a nossa história”.

“Bocage me fez perceber que o principal trunfo do Brasil é o ethos e pathos de seu povo. Nutrimos uma cultura da afetividade que, sem qualquer intuito de nacionalismo laudatório, acho que só existe aqui. Esse ponto forte se traduz tanto numa sexualidade aflorada quanto num anarquismo perene. Talvez isso é que nos liberte. A História, graças a Deus, é imprevisível”.

“Bocage entrou em circuito no começo de 1998, no mesmo dia que o megassucesso Titanic (James Cameron)”.

-.-.-

Citações extraídas:

Djalma Limongi Batista: livre pensador, por Marcel Nadale. – São Paulo: Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2005. (Coleção aplauso).

O livro está disponível em PDF neste link: Djalma Limongi Batista: livre pensador

Serviço:

Bocage, o Triunfo do Amor + conversa com convidados

Dia 4 de abril, 20h – Ingressos: R$ 10,00

Cine Bijou – Praça Roosevelt, 172 – São Paulo

Realização: APACI + CINE SATYROS + SPCINE

Até Quando Você Cabe em Mim?

Crédito: Fe Hernandez

​​Muito feliz em divulgar um trabalho com a participação da minha amiga Lídia Engelberg. Para quem está em São Paulo, ou passar pela capital, a estreia será na próxima sexta-feira, 31 de março. Veja abaixo informações obtidas via material enviado para divulgação da peça.

Até Quando Você Cabe em Mim?

Em uma atmosfera que transita entre o real e o imaginário, quatro mulheres refletem sobre as angústias e os desafios da maternidade. Afinal, o que está por trás do ser mãe? Será que a sociedade está preparada para receber as mulheres e seus filhos? Amor e insegurança, humor e solidão, alegria e desamparo são apenas alguns dos sentimentos que permeiam o espetáculo Até Quando Você Cabe em Mim?, que estreia em 31 de março, no Teatro Sérgio Cardoso.

Idealizado pela atriz e produtora Katia Calsavara e dirigido por Juliana Sanches, do Grupo XIX de Teatro, a peça coloca uma lente de aumento na função materna, muitas vezes vista pela sociedade como um “dom divino” e imaculado. “Há muitas regras para cabermos hoje no papel de mãe. O mundo ainda acredita nessa mulher maravilha, idealizada, mas precisamos problematizar o que cerca a maternidade e os buracos que as mulheres enfrentam, inclusive na relação futura com seus filhos na vida adulta”, fala Calsavara.      

A montagem parte de textos escritos por Calsavara e Sanches e conta também com propostas das atrizes-criadoras. Outro elemento que norteia a dramaturgia é o texto “Parto-Me”, da dramaturga Ângela Ribeiro, que fala da solidão de uma mãe que acaba de parir. “A Ângela traz uma crueza enorme no texto dela que veio ao encontro de muita coisa que eu vinha escrevendo e pesquisando desde que me tornei mãe, há oito anos”, explica Calsavara.  

Juliana Sanches conta que a aposta em um ambiente branco, quase hospitalar e sem detalhes, remete a essa solidão do puerpério, fase logo após o parto na qual muitas mulheres convivem com a depressão e a pressão social em estarem logo prontas para voltar “ao mundo real”. O figurino também é representativo desse momento de incertezas. “A camisola é uma roupa leve, que tem delicadeza, feminilidade e sensualidade, mas também remete ao ambiente doméstico. Precisamos lembrar que uma mãe continua sendo uma pessoa”, explica Sanches.

“O processo de criação foi muito forte. Eu tinha algumas certezas quando entrei e acho que não as tenho mais. Já mudei bastante nesses meses em que estamos juntas, principalmente em relação ao tempo do cuidado, que é tão desvalorizado na nossa sociedade. Não dá para cobrar cuidado quando a sociedade não dá a menor condição para acolher essas mulheres. Então, que sociedade é essa?”, questiona a diretora. 

Ficha técnica

Idealização: Katia Calsavara. Direção: Juliana Sanches. Dramaturgia: Katia Calsavara e Juliana Sanches. Provocação dramatúrgica: Ângela Ribeiro. Assistência de Direção: Davi Tostes. Atuação: Katia Calsavara, Lídia Engelberg, Thiene Okumura e Ericka Leal. Figurinos: Dayse Neves. Trilha sonora: Fábio Ock. Assessoria de imprensa: Adriana Balsanelli. Produção: Joana Pegorari e Davi Tostes 

Serviço:

Até Quando Você Cabe em Mim?

Estreia dia 31 de março no Teatro Sérgio Cardoso – Sala Paschoal Carlos Magno.

Rua Rui Barbosa, 153. Bela Vista – São Paulo/SP

Temporada: De 31 de março a 16 de abril de 2023 – Sexta a domingo, às 19h.

Classificação: 14 anos

Duração: 60 minutos. 

Ingressos:R$20,00 (inteira) e R$10,00 (meia-entrada).

Ramiro em Birigui

Muito bom ter a continuidade de Um presente para Ramiro em novas apresentações. Abaixo a transcrição da divulgação feita pelo SESI Birigui, onde estaremos dia 11 próximo.

(Frame do site do SESI. A foto é de João Caldas).

 Por: Letícia Estella de Lima – Sesi Birigui

“Um Presente Para Ramiro” é um espetáculo infantojuvenil que ensina, de forma lúdica e com bastante humor, como as crianças podem se organizar para realizarem seus sonhos. O Teatro do Sesi Birigui recebe a peça no dia 11 de fevereiro (sábado), às 16h. A entrada é gratuita e as reservas podem ser feitas pelo Meu Sesi.

O espetáculo apresenta Ramiro, um garoto que, no aniversário de 12 anos, faz uma lista com presentes caríssimos e não aceita ficar sem presentes. Com a ajuda de Fortuna (um cofre em forma de porco falante), Valentina, prima de Ramiro, o vovô Miguel propõe diferentes viagens e brincadeiras através dos sonhos, conhecendo, entre outras coisas, história dos pais de Ramiro. Com muito humor e imaginação Ramiro aprende que para realizar os desejos é necessário organização e planejamento.

O trabalho partiu de uma pesquisa sobre como as crianças lidam com a realidade financeira da família, revela o diretor Valdo Resende. “Durante meses nós estudamos esse tema e somamos a isso a nossa experiência em falar com esse público infanto-juvenil e, consequentemente, com os pais, pois são eles que levam os filhos ao teatro. Usamos uma linguagem própria para a idade para mostrar que há um valor real e concreto para as coisas e que precisamos de planejamento, investimento e economia para consegui-las”, comenta. 

A encenação evidencia a importância do valor real das coisas e não a importância do ter o que é caro, o que está na moda, o que dá status. Trata, ainda, do egoísmo em contraposição aos valores familiares. Dessa forma, apresenta e valoriza os brinquedos simples, antigos. “Resgatamos alguns brinquedos que estão desaparecidos, mas ainda permeiam o imaginário das pessoas. E a nossa cenografia (assinada por Djair Guilherme) é construída como um brinquedo que se monta e desmonta. Não temos um cenário na própria concepção da palavra, mas elementos cenográficos que vão compondo os ambientes onde as cenas ocorrem. A encenação se baseia em um teatro no qual as ações são construídas a partir do movimento dos atores, a partir da maneira com qual eles manipulam os elementos cenográficos”, explica Resende. 

Ficha Técnica

Criação/Idealização: Kavantan & Associados-Projetos e Eventos Culturais | Dramaturgia: Valdo Resende | Direção: Valdo Resende | Elenco: Conrado Sardinha, Isadora Petrin, Neusa de Souza, Roberto Arduin e Rogério Barsan | Trilha: Flávio Monteiro | Cenografia: Djair Guilherme | Iluminação: Ricardo Bueno | Operação de luz: André Santos | Operação de som: Willian Gutierrez | Direção de produção: Sonia Kavantan | Produção: Tiago Barizon | Realização: SESI-SP

Presépios, para contar uma bela história

Ronaldo, Inimar, Marquito são os anjos. Anivaldo e Terezinha, os pais. Daniel, o menino Jesus.

Rituais nos ajudam a entender o tempo, a caminhar e seguir em frente sabendo que, independendo da nossa vontade, o futuro vem e não sabemos como esse será. O Natal nos sinaliza o começo ou recomeço de tudo. Há em toda a festa natalina evidentes sinais de esperança, fraternidade, recomeço e a fé de que algo bom nos virá. Que seja assim!

Um presépio materializa a ideia de nascimento, símbolo essencial de renovação do nosso cotidiano. Historicamente criado por São Francisco de Assis, um arremedo de teatro em que as personagens principais são uma criança vigiada pelos pais em uma estrebaria. É esse local onde ficam cavalos e, no intenso inverno italiano, outros animais são abrigados do frio. Sabe-se lá quais animais estiveram em Belém, na estrebaria original.

Enquanto representação desejada pelo Santo de Assis, o nascimento do menino Jesus já nasceu “fake”, para usar uma palavra atual. Teatro bem popular, feito a pedido de Francisco em 1223, sem pesquisa profunda quanto a adereços, vestuário e cenário, contando uma história ocorrida havia mais de mil anos, o primeiro presépio se constituiu em uma interpretação feita por um grupo de fiéis. O fato se espalhou e é repetido aos milhares a cada ano.

Essa dimensão teatral da representação do nascimento de Cristo é algo extraordinário! Contam que essa primeira vez foi com uma cena mais ou menos estática; diante dela o Santo fez orações. Teatro simples, vivíssimo! Certamente um animal se mexeu, fez algum ruído. Todos os componentes da cena respiraram! A criança pode ter chorado. Cena mais ou menos muda, feita de movimentos sutis e de calor humano.

 A notícia caminhou com a biografia do santo e os presépios se multiplicaram. De um lado materialmente: certamente já foram feitos presépios de todo e qualquer material manipulado pelo homem; do outro, os chamados “presépios vivos”: a representação inicial feita em igrejas e salões paroquiais ganharam o mundo, ocorrendo em todos os continentes, feitas por todas as raças. A criatividade humana é ilimitada.

Nosso presépio em 2022. Uma saudável mistura onde o que vale é ser feliz.

Dezembro é mês em que os presépios ganham espaço dentro de lares cristãos. Sem a neurose da representação realista, sem a obrigatoriedade da recriação documental, montar um presépio é momento de puro deleite. Há gente que gosta de repetir a mesma montagem herdada de pais e avós, com as mesmas imagens e o mesmo cenário e são felizes assim.  Há outros que deliram e fazem da montagem anual um intenso exercício de composição visual. São felizes também.

O ciclo da vida de Cristo termina em outro momento fartamente representado. Somando as encenações dos Presépios Vivos mais a Paixão de Cristo temos, sem dúvida, a maior expressão de teatro realmente popular do chamado mundo cristão. Quantos milhões de vezes tivemos essas representações? Atos religiosos representados em um espaço cênico. Assim nasceu o teatro no culto a Dioniso. E esse momento religioso, sem a pretensão da arte e livre de todas as complicações teóricas, é teatro puro, ingênuo, que reflete os modos e formas de vida de quem o faz. Sobretudo, expressão de fé!

O ato de nepotismo mais contundente da minha vida foi colocar Daniel, o meu irmão caçula, como Menino Jesus em uma manjedoura. Guardo três montagens natalinas na lembrança, primeiros exercícios do meu fazer teatral: uma foi metafórica, usando músicas de Chico Buarque e Paulinho da Viola na trilha sonora. Outra, mais complexa, inseria o nascimento de Jesus em um painel onde outras histórias ocorriam em paralelo. A primeira, mais simples e tradicional, foi a que o diretor colocou sem qualquer constrangimento os melhores amigos, Ronaldo e Marquito, como anjos e o irmão como o Cristo. Ontem, terminando de compor meu primeiro presépio aqui em Santos, todas essas lembranças vieram, de quando criei, junto a amigos e colegas, versões particulares para contar uma singela e bela história.

Feliz natal!